[刺青] Jondix - 注入宗教魅力的幾何迴圈

written by Mr.cliche

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Jondix，西班牙刺青藝術家，行旅全球駐點創作外，多數時間以巴塞隆納工作室和合夥經營的倫敦Seven Doors Tattoo為創作基地。說到東方宗教色彩的反覆圖示及符號刺青創作，一定不會錯過Jondix的作品，除了對亞洲文化充滿濃厚興趣外，不論是西藏、泰國、印度的佛教分支、甚至印度教都涉略極深，搭配本身建築系的學術背景，融入大量宗教元素的幾何創作和曼陀羅作品讓Jondix等同西方世界眼裡的亞洲宗教美學代名詞。Jondix風格鮮明的藝術創作更讓他得以與多數當代傳奇藝術家齊頭並進，不論是和Leu Family的深厚交情、Thomas Hooper的同儕切磋，甚至是與最早期的點陣刺青藝術家Xed間的音樂交流，都顯示Jondix在刺青藝術圈的份量。而在宗教元素滿佈的刺青創作外，Jondix更以自身相當喜愛的重金屬音樂作為副業、與相同興趣的刺青藝術家組成搖滾樂隊及各式的音樂企劃，其中提攜進門的前Into You Tattoo藝術家Tas便是從音樂交流展開Jondix刺青創作的起點。

在經歷7年的建築學系歷練，毅然決然追隨對音樂的熱愛，加上對刺青藝術等次文化的憧憬，開始有了蒐藏刺青的嗜好。偶然在2001年巴塞隆納刺青博覽會遇到了前Into You Tattoo的元老成員之一Tas，開始蒐集其創作，並在熟絡之後為也是音樂同好的Tas彈奏重金屬樂團名曲，Tas也以基礎的刺青創作製程教學做為回禮，當天Jondix就在自己腳和Tas脖子上完成了第一個作品，也開啟了和Tas一同在當時巴薩隆納為數極少的刺青所、現在西班牙最為著名的LTW Tattoo初期創作之路。伴隨著重金屬旋律和Tas展開的西班牙刺青之旅隨著 Mike the Athens收為學徒的邀請而將版圖漸漸擴大至全球各大都市，進而結識了不少傑出刺青藝術家與音樂人，旅行也正式成為Jondix最主要的靈感來源。

Tas和Mike the Athens充滿東方元素的創作讓Jondix大開眼界，不甘於局限自己在經過翻譯、整理的藝術書籍上，為了追求親眼所見的Jondix開始踏上了實地訪查東方宗教藝術的旅程，印度、西藏、泰國等佛教分支大國帶來的心靈震撼確立了Jondix的創作走向，隨後對於大都市的憧憬也讓Jondix以倫敦、紐約、舊金山、瑞士、巴黎為巡迴創作據點，並搭配著故鄉巴塞隆納工作室和共同負責營運的倫敦Seven Doors Tattoo做為主要重心。幾何、泰式、西藏文化是Jondix刺青創作的三大核心，隨著和Xed、Thomas Hooper、Tas的點陣切磋，Jondix對於以無數細點組成富含宗教元素的反覆圖示極為拿手，更是大眾對於Jondix作品的第一印象。而大面積創作時而搭配佛教抑或印度教元素，像是常見的西藏風格骷顱、十字杵、祈福繩結等，也讓不少蒐藏者初見Jondix作品時誤以為出自亞裔藝術家之手。多樣性的符號、標誌也是Jondix的獨門特色之一，任何充滿獨特性的印記Jondix都不放過，像是物理、化學的單位符號，或著是西方、東方宗教的咒語字句都可在其作品中一窺一二。

豐富的巡迴經歷讓Jondix除了得以吸收創作能量外，也有機會能與傑出藝術家交流，從一開始增添自己的蒐藏，慢慢到與這些堪稱為傳奇代表的藝術家成為朋友，進而嘗試不同的合作、良性競爭的向上提升，讓Jondix一路走來累積了不少可貴的人脈。Jondix除了跟亦師亦友的Xed、Tas在刺青創作有深厚連結外，在音樂創作上更是激盪出不同的火花，而後續和Thomas Hooper在點陣技法的交流和共同完成的畫作更是話題十足，另外做為瑞士Leu Family少數認可的駐點藝術家更讓Jondix在創作上取得強大助力。可以肯定的是擁有多方面優秀同儕認證的Jondix，絕對是富含東方文化的點陣幾何第一首選。

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Info

Jondix

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延伸閱讀

[刺青] FILIP LEU - 血脈傳承，再造世家巔峰

[刺青] ALEX BINNIE - 世代見證，英倫刺青藝術的黃金時代

[刺青] XED LE HEAD - 塑型當代的點陣起源

[刺青] THOMAS HOOPER - 多層堆疊、視覺錯視，技藝入魂的曼陀羅巨闢

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[刺青] Filip Leu - 血脈傳承，再造世家巔峰

written by Mr.cliche

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Filip Leu，刺青藝術傳奇大師，現為瑞士刺青名所The Leu Family's Family Iron負責人。作為Leu藝術世家的第三代、從事刺青藝術創作的第二代傳人，家族的栽培讓Filip很快就在80、90年代成為世界聞名的刺青藝術家。不論是長期的藝術薰陶、旅居全球的成長背景都讓Filip在青少年時期即能熟練的進行藝術創作，爾後與橫跨不同領域的同袍手足跨界連乘更讓Filip的創作水平達到巔峰。其中Filip最為人知的就是將日式刺青風格導入歐洲，交融日式元素與歐陸美學的獨特創作掀起當時歐美刺青藝術圈的第一道日式浪潮，也奠定Filip對當代刺青藝術的關鍵影響。

瑞士人，生於巴黎，Leu家族的第三世代。祖母為瑞士藝術家，更曾為知名雕塑家Jean Tinguely的妻子，父母皆為多面向的藝術工作者，其中並以刺青創作為主要創作方式。Filip從小就隨著父母以現代游牧生活的方式旅居世界，長住於歐美、印度、尼泊爾、北非等，不僅眼界廣闊，作為真正刺青世家的第二代，更長期受藝術薰陶，在10歲父親就替他創作了第一個刺青，13歲開始自行創作刺青，更曾與刺青傳奇Ed Hardy並肩共事，15歲時隨父母回到瑞士成立The Leu Family's Family Iron，不到18歲就有著和年齡不成比例的驚人蒐藏並且聞名於世界，Filip的作品在當時為數不多的刺青雜誌中可說是必定露出的指標性代表。

在全球各大都市成長、創作，對於資訊不像現在流通的80、90年代，Filip在非主流的刺青藝術圈累積了大量的人脈，憑藉著長時間扎實的創作鍛鍊，大多數傑出創作者都知道彼此，也常藉著刺青博覽會等大規模的活動進行交流，Filip Leu正是當時名聲最響亮的刺青創作者之一。對於年紀輕就踏上接近刺青藝術的頂峰，Filip並沒有因此自滿，不僅透過在流行、音樂圈發展的手足跨界交流，且仍然持續著在各地吸收多元的藝術文化，而最終在日本被日式風格的流暢性與整體性給深深打動，自此以日式風格為主要創作手法，並持續精進將自身美學融入其中，掀起了風靡歐美十多年的日式風潮。更帶動2000年後日本新興藝術家以此"歐式"日本風格作為革新日式刺青的靈感起源之一。

Filip的創作以日式風格為主軸，但少了日本文化的包袱牽制，Filip在日式風格的大框架下融入自身美學。鯉魚不一定是搭配櫻花，龍虎也不須成對出現，Filip大量運用歐美元素在基礎的日式組成中不斷嘗試突破，像是日式海浪包圍大面積歐美風格骷顱頭的創新組合，也完全掌握了西方世界對於東方文化的接受度。而擁有深厚藝術底子的Filip，在刺青創作最為著名的就是所有作品皆是手繪於肌膚上直接進行，就連大面積日式紋身也不例外，對於線條流暢性與整體協調性拿捏得恰到好處。

極為年輕就開始踏入刺青藝術圈，在接近40年的資歷中可說是完整經歷了當代刺青藝術由負面轉為次文化並且漸漸浮上檯面的過程。不論是創作風格的進化、源源不絕的優秀藝術家、甚至是社會對刺青的觀點改變，Filip對這一切也是充滿期待，不僅持續在創作上鑽研，也對於提攜後輩不遺餘力，像現今橫跨服飾、音樂、出版界，創立Sang Bleu Tattoo與同名刊物、服飾的幾何刺青藝術家MxM就是Filip的完整真傳，也在身上創作極為出色的經典代表作。Leu Family除了血脈傳承，也持續在不同面向替刺青藝術注入生命，Family Iron正如其名替當代藝術打下扎實如鐵的創作根基。

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Filip Leu

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延伸閱讀 

[刺青] 跨界合作的藝術奇才，幾何、DOTWORK刺青大師MXM

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[刺青] Alex Binnie - 世代見證，英倫刺青藝術的黃金時代

written by Mr. cliche

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就在上個月，2016年10月底，英國90年代刺青藝術代名詞Into You Tattoo的正式歇業，象徵了英國刺青文化蓬勃發展的黃金時代告了一個段落。創辦人Alex Binnie作為這個世代刺青藝術的重要推手，將隨著St. John Street的店址為這一波風潮畫下句點，並伴隨原Into You Tattoo位於Brighton的二店更名為1770，展開刺青傳奇的新頁。若你有幸能在Into You Tattoo留下一塊人生的印記、能成為這波浪潮的一部分，絕對會是值得一生驕傲的文化體驗。

Alex Binnie，英國刺青文化蓬勃發展的源頭之一，70年代起就深深地為刺青藝術著迷。一直對各種形式的藝術充滿濃厚興趣，17歲在沒有任何門路的狀況下決定開始嘗試進行刺青創作，隨著Punk Rock等次文化的興起，帶動了充滿反骨的熱血性格，也造就了堪稱為英國刺青藝術教父的傳奇一生。對於藝術美學的執著也讓Alex在開始刺青創作初期就決定先吸收不同的藝術能量來累積自己的實力而暫時中止，選擇加入當時藝術家擇地聚集的倫敦中心以不同大樓為art squat據點和各式各樣的藝術工作者密切交流，隨後也進了藝術學院進修，一直到80年代中期，Alex累積了足夠能量，開始重執針筆，正式以刺青創作為主要創作形式，在當時幾乎沒有藝術家以刺青創作自居，Alex實為掀起現代英國刺青風潮的先驅。

隨著鑽研刺青藝術的腳步各國遊走，在吸取世界能量後在1993年回到倫敦開啟了最傳奇的刺青名所之一，Into You Tattoo。Into You Tattoo對於Alex而言就如同刺青創作一般，不是一個工作，更不是一個事業，而是一個形態的呈現，就與多樣的藝術創作形態無異，也像是年輕時art squat的另類轉變，一個藝術家們的聚集地、一個無慮的藏身地。Alex的好人緣也聚集到頂尖的藝術家團隊，各各都是當今英國刺青藝術界的傳奇，像是Duncan X、Tomas Tomas、Tas等，曾經駐點的知名藝術家更是不計其數。經歷過23個年頭，Alex和Into You Tattoo無疑掀起了英國倫敦第一道當代刺青創作巨浪。

Alex常戲稱和店內兩大王牌Duncan X和Tomas Tomas風格迥異的傳奇藝術家相比，自己的創作根本毫無風格可言。大面積、講究流暢性的全身創作為Alex的拿手強項，多以融入西方文化的日式刺青、有機元素、部落圖騰為主要創作題材，並不時會以獨特鮮明的強烈色彩進行點綴。在Alex創作初期，整體環境刺青創作的水平不如現在多元及成熟，基本上掌握技能面就能成為端得上檯面的刺青創作者，所有的創作風格都是依據客戶的需求決定的，也讓Alex習慣以人為出發，到現在仍是以顧客意見為主體，畢竟對於能在從未蒙面的人身上留下永久印記一直是值得重視與感激的事，至於自我觀點出發的純藝術創作，Alex則是透過木雕、印刷或行為藝術去實踐。

Alex和Into You Tattoo經歷23個年頭，從80、90、00到10年代見證英國刺青藝術的演變，各式的主流轉變。從部落圖騰、日式刺青、到Duncan X的經典復古，可說為當代刺青藝術的活字典，結束營業的2016年也成為倫敦藝術圈的重要里程碑。就像是流行產業一般，刺青藝術的形態隨著流行不停更迭、輪迴，就如同Into You Tattoo代表的是一種生活理念、意識形態，23年的影響力早已深植倫敦甚至是全球刺青藝術圈，就像你衣櫃裡穿舊的牛仔外套一樣，總有一天會再以經典之姿回歸！Bye for now IN2U!!

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Alex Binnie

Into You Tattoo

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[刺青] DUNCAN X - 反叛人生的黑白協奏曲，英國刺青傳奇MR.X

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[刺青] Joey Pang - 橫豎筆墨，書法入針

written by Mr.cliche

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Joey Pang，香港最廣為人知刺青名所之一Tattoo Temple的創辦人，漢字、水墨筆觸創作的第一人，更是代表真正原生於中華文化的刺青藝術第一把交椅。作為現今東亞一帶最受歡迎的華人刺青藝術家之一，其最具代表性的莫過於受過專業字體訓練的水墨漢字創作，精密的細緻筆觸、行雲流水的文字串連、融入人身線條的流暢性置放，都讓Joey人氣居高不下。長達三年的waiting list也在在顯示Joey不馬虎的創作原則，現在就預約2020年香港見吧!

Joey Pang，擁有雲南、印尼成長背景的香港刺青藝術家，在2006立年創立了Tattoo Temple前對於刺青藝術並沒有太多的想法。經歷過室內設計與流行彩妝，Joey一直都是不停地作畫與創作，會對刺青藝術開始產生濃厚興趣是見到外國人對於刺青的開放觀念，讓她對於藝術的本質有了很大的啟發。之後就持續著遊走各國，立志成為刺青藝術家的理念越來越強烈，在歐美、亞洲等地不停地鑽研刺青藝術並與不少傳奇藝術家像是Filip Leu、Xoil、Jeff Gogue、Shige等近距離學習。而會開始進行書法字體創作是在海外研習刺青技法時觀察漢字刺青相當受外國人歡迎，但創作者與被創作者常常不理解背後文字的意思，也無法正確的呈現文字形體，於是Joyce就有了想改善這現象的使命，讓人了解字體背後的意義並且以富含中華文化的書寫筆法正確地進行漢字刺青創作。

Joey除了與書法名師持續學習書寫技法外，也不停地鑽研著如何在身體線條上隨著結構流動轉換，達到一體成型的流暢性，並將筆刷觸感的刺青技法運用於亞洲元素的創作題材，帶點潑墨山水的渲染刷印，更能體現專屬於中華文化的刺青藝術。Joey想創造是讓相對保守但卻又異常深厚的中華文化也能在亞洲刺青藝術漸漸躍上主流之際保有一席之地，有別於日式文化的一體性、東南亞文化富含  宗教意涵的多彩性，中華文化能做的就是以根基最深厚且貫穿千年歷史的文字形體及流暢的刷墨筆觸作為專屬特色。

"Art is not a mirror to reflect the world, but a hammer with which to shape it."，Tattoo Temple和Joey的個人哲學其實就代表了香港，甚至是整個亞洲的刺青藝術現況。跟世界各地大多數的刺青藝術發展歷程一般，一直都帶著與幫派或罪犯作為最直接關聯的鮮明印記，也隨著西方文化的新興風潮漸漸扭轉難以見光的負面特色。刺青藝術除了是象徵自己並反映社會的最具象呈現，更是足以挑戰普世價值觀並打破窠臼重新塑型的厚實衝擊，正是最直接充滿力量的藝術文化。近年韓國、中國、台灣漸漸地不少國際級水準的藝術家浮上檯面，就如同Joey在香港所做的文化推廣一樣，能準確地在傳統美學中演繹新意，將在地文化注入刺青創作，用更強烈、堅定的聲音表達屬於自己起源的文化美學。

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Info :

Joey Pang

Tattoo Temple

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[刺青] Luca Font - 軟硬之間的立體美學

written by Mr.cliche

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Luca Font，本名為Luca Altini，義大利街頭塗鴉與刺青藝術家。從早期街頭塗鴉的牆面創作，後期延伸媒介至人體肌膚，在軟硬之間巧妙地完美轉換，並齊頭並進地在這兩種極端的創作質材間持續精進。Luca創作風格最明顯的識別就是略帶立體主義的構圖設計，運用基礎幾何將立體轉為平面，且仍保有豐富層次感是一眼就能識別Luca作品的強烈風格。而對色彩極為敏銳的Luca更擅長運用多彩色塊作為點綴，難以想像卻又特別和諧的搭配來完成色塊拼圖，光憑色調的運用就足以奠定Luca鮮明的個人特色。兩者相輔相成，讓Luca得以鮮明的藝術創作獨步於軟硬媒介之間。

在義大利北部的貝加摩，Luca Font如同法國的塗鴉傳奇FUZI一般，15歲開始在城市的各個角落噴上tag，並以列車機廠作為活動據點創作列車panel。Luca與其他塗鴉藝術家不同之處在於從不持續以一個固定簽名進行創作，總是嘗試不同的變化並在這之不停鍛鍊自己的創作靈感，後期雖以Font為名，但就如同字面意思一般，Luca嘗試以不同字體對"字體"這個字在牆上持續創作，沒有受限、持續變動的個人特徵正是Luca傑出創作的主因。 

身處於滑板風潮、嘻哈文化相當盛行的90年代，Luca自然地也成為當時次文化的其中一員而投入塗鴉創作之中，而其創作靈感多來自於滑板上的設計圖示和年輕人很難抗拒的電動遊戲，也奠定現今創作的主要基底。Luca在經過長時間塗鴉創作找尋屬於自己的風格，不斷地嘗試後，以最基礎的幾何圖形作為構圖元素，在平面中創造充滿深度的立體作品。而除了黑白色調著重於線條構圖外，豐富色彩的和諧點綴一直都是Luca在街頭鍛鍊的基本技能，也得以配合平面化的幾何形體營造更具立體感的豐富層次。

而對於Luca而言在兩個截然不同的領域發展遠比大眾理解的來得困難，換了媒介代表的就是所有基本功夫從頭開始，縱使有明確的創作取向，也須配合材質進行不同的處理來達成一致性的呈現，並非單純的複製於不同媒介之上那麼容易。這當然也讓Luca花了很多時間嘗試摸索，每一個新的材質都是讓自己重新檢視外在技巧與內在想法的珍貴機會，也因為才有機會能多方鑽研呈現出如此優秀的刺青創作。

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延伸閱讀

[刺青] FUZI - 藝術無界，90年代塗鴉傳奇經典延續

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[刺青] Philip Yarnell - 暖陽注入，反叛標誌零距離

written by Mr.cliche

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Philip Yarnell，來自英國南方城市Southend的年輕創作家，作品以獨特溫潤風格的經典復古元素居多，並撘配圓滑邊角的創作曲線，柔和氛圍的和諧配色作為基底，整體而言Philip的創作給人一股溫暖的感覺，就連經常創作的反叛骷髏頭都變得格外溫和、毫無距離感。而如此完整的創作風格讓人很難相信Philip正式成為刺青創作者執業至今才三年的時間，長時間在藝術學院探索自我，並在專業學能輔助下很快地在眾多美學內找到屬於自己有溫度的創作方向。

20出頭的Philip，帶點藝術家隨興的個性在求學階段就表露無遺，在畢業之即仍是不限制自己的持續嘗試各種面向的藝術創作，但從沒設定自己一定要成為一名刺青藝術家，但刺青藝術的創作型態卻也讓Philip著迷，在蒐集不少傑出藝術家的創作後順其自然的決定給自己一個機會接觸這沒嘗試過的創作模式。而持續精進的創作心境也讓Philip試著脫離過度熟悉的英國南部到倫敦接觸更多元的美學能量，當然倫敦並不是Philip的最終目標，畢竟沒限制的心能容下的是無限的可能性。

"發展中"是Philip對自己創作風格下的定義，認為提升自身的繪畫技巧是身為藝術創作者最重要的一環，而發展、找尋創作風格是一件需要持續進行的事情，不停地嘗試、實踐心裡所想才是藝術工作者應該看重的，而不是一昧的在乎客戶的要求與市場的需求。但Philip卻是輕鬆看待風格這件事，畢竟這不是一蹴可及的，抱持著不斷學習的心態、不停地探索自己，慢慢累積總是會有接近目標的一天。這也是Phillip迫使自己離開英國南方到倫敦找尋前進動力的主因。

Philip的創作風格多帶點復古氛圍並以獨特的圓潤設計為主軸，反映的除了是自身的喜愛外，也多受文藝復興時期的美感渲染，不論是著名的經典油畫或建築裝飾的雕花圖騰等，也受到不少現代抽象主義畫家影響。而在刺青創作方面，先前介紹帶動起新世代刺青風潮的Guy Le Tatooer更是Philip刺青創作的role model，而Philip也正是new school新生代潛力之一。南北奔波的Philip現除了在東倫敦Sang Bleu Tattoo定期駐點外，也嘗試更向外發展，不將自己設限於英國本土，這鋒芒展露的潛力新星實在讓人充滿期待。

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Philip Yarnell

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[刺青] GUY LE TATOOER - 行旅全球，新世代風潮的起點

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[刺青] Xed Le Head - 塑型當代的點陣起源

written by Mr.cliche

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Xed Le Head，英國最傳奇的刺青藝術家之一，除了是當代刺青藝術資深的世代指標，更是點陣刺青技法最早廣泛運用的起源之一，可以說是影響當代刺青藝術走向的重量指標。近年受全球刺青蒐藏家高度青睞的曼陀羅、幾何設計、印度抑或西方宗教神聖圖騰、日式菱紋圖示...等可說皆由點陣式刺青技法延伸而成，這一切源頭的其中一個分支來自於1980年的英國，13歲的Xed以最傳統的手針在朋友身上點下密布的黑點開始，隨著點與點的綿密擴散，漸漸勾勒出這個世代刺青藝術前進的方向。

80年代、13歲、3號針，開始當代刺青傳奇的新頁。極輕的年紀就開始接觸刺青創作，但在80年代後期派對文化興起的風潮下，Xed的不羈性格選擇在舞池中追尋自己的人生定義。直至10年後，在資訊不流通和刺青藝術僅活躍於地下文化的世代特性下，偶然受到現今倫敦傳奇名所Into You Tattoo創始人Alex Binnie的啟發，重新感受到刺青藝術的無限可能性，再次執針全心投入刺青創作，以在當時相對前衛、充滿啟發性的大面積幾何覆蓋就像80年代後期的浩室音樂一般為刺青藝術注入了前所未有的活力。

Xed擅長以富含宗教意義的神聖圖騰進行大面積的人體包覆，也漸漸成為90年代倫敦地下文化的一股支流，全身幾何圖示延伸覆蓋，甚至是讓人無法直視的臉部刺青，搭配著純粹自我的龐克造型，營造出強烈的視覺衝擊與錯視，Xed的創作風格儼然在地下社會掀起不可忽視的風潮。不論是西方或東方的宗教標誌，還是以點與圓組成的異度漩渦，強烈的視覺風格在現在看來也是相當前衛，更別說在90年代是帶來多大的震撼，Xed也成功地以藝術創作和針槍作為武器，推動一整個世代的次文化革命。

Xed之於刺青藝術，雖為點陣風格的開端之一，但Xed對於藝術層面的心靈格局更比創作技法來得充滿大師風範。除了藝術的外在美學之外，Xed對刺青的熱情更著重於內心層面，藝術創作對於Xed而言是超越價值、無分性別的，他所能給予客戶的是能完整生命旅程的精神動力，刺青對於Xed而言更像是心靈療程、自我和信心的提升，就像自己親身體驗過的歷程一般。就如同Xed驚人的臉部刺青，外在的裝飾性遠遠不及其對於內心帶來的強大衝擊，無法隱藏真正的自己，更能將多數的內心束縛捨去，成為一個完全心靈自由的存在。

 近年Xed因健康因素無法再進行刺青創作，也宣布了暫時的退休，同時也讓刺青藝術圈團結起一股支撐Xed的正面力量。雖然也許不再有機會能從Xed那蒐集到象徵一整個世代的經典代表，但其創立於北倫敦的Divine Canvas仍是充滿傳承Xed精神的菁英，且同時期的英倫傳奇們也還是活躍於Into You Tattoo和其他老牌刺青名所，有機會絕對要在這世代漸漸消逝前用自己的身體將記憶承接下去。

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Xed Le Head

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[刺青] DUNCAN X - 反叛人生的黑白協奏曲，英國刺青傳奇MR.X

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[音樂] The Cure - 黑暗中滲出的一絲甜美

written by Benjamin Lin

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許多人對The Cure的認識可能是來自”Friday I’m in Love”這首被廣泛電影使用的率性甜蜜小情歌，像是近期的<About Time真愛每一天>到多年前被許多男女奉為戀愛解套經典的<He’s Just Not That Into You他其實沒那麼喜歡你>都讓這首歌以及The Cure本身引起大家的注意。不過其實他們是一個在1979年便成立的超級老團，而且起初的音樂類型還是Punk及Goth。期間曲風及成員不斷的經歷變動，唯一不變的是精神人物Robert Smith一直都在，也幾乎與the Cure畫上等號。

題外話Yo La Tengo在<Stuff Like That There>專輯中重新詮釋了”Friday I’m in Love”這曲。用indie的方式帶出了雨後清新的輕快感，賦予了這首歌另一種甜蜜感，同樣值得一聽。

The Cure 誕生於英國的Sussex。在70年代末，英國的樂團幾乎都在玩Punk，當時的The Cure當然也是，在推出第一張專輯<Three Imaginary Boys>時曲風便是以單純的Punk為主，但可惜的是似乎不具備該有的搖滾能量及特色，在當時的大環境下並未引起特別的注目。

到了1982年時，他們推出了<Pornography>這張專輯，逐漸開啟了通往暗黑的漫長道路。Robert Smith臉上畫了白底紅唇濃妝(藝妓風XD)，以一頭亂髮唱出了許多深沈且批判帶有Post Punk及Goth風格的歌曲。 

接著把時間快轉到五年後1987年，The Cure發行了或許是他們最廣為人知的一張專輯<Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me>說也奇怪這張專輯彷彿吃錯藥般加入了許多的音樂元素，節奏性變得十分豐富，有時甜美有時狂野。或許是建立在他們兩年前成功的專輯<The Head on The Door>上，整個團開始轉為活潑輕快走向。像是輕快老派舞曲節奏的”Why Can’t I be You”，以及最為耳熟能詳的經典歌曲”Just Like Heaven”皆帶給世人不一樣的The Cure，也是多數人認識的the Cure。

不過不知道該不該說是好景不常，在下一張專輯<Disintegration>他們又走回了以往的黑暗路線。但是這張專輯卻是我們最喜歡的一張，相信是用他們累積至當時的成熟表演經驗才能創作出如此帶有抑鬱感且帶有人生體悟的作品。像是”Pictures of You”以及”Lovesong”皆帶有著豐富的情感，營造了他們前所未見的成熟氛圍。

The Cure雖然已經很久沒有推出新專輯，但他們仍然持續的在進行許多的tour，像今年主要就以歐洲地區為主，而且霸氣的是他們將在12月1到3號連續三天在倫敦的Wembley Arena舉行表演，喜歡他們的朋友千萬記得把握機會。

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[刺青] Zac Scheinbaum - 集百家大成的暗黑熔爐

written by Mr.cliche

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Zac Scheinbaum，常駐紐約刺青藝術家、新生代暗黑感十足的點陣刺青代表。除了創作的呈現手法偏向深沉色調外，題材常圍繞在生死議題且常使用略帶宗教感元素，營造迷人的陰沉漩渦。憑藉著從創作題材延伸而成的作品氛圍，先是在布魯克林刺青名所Saved Tattoo駐點，在此與點陣大師Thomas Hooper吸取能量並短暫地和MxM相互切磋，現於紐約另一指標名店Kings Avenue Tattoo進行創作。CMMN SNSS的夥伴也蒐集了Zac的招牌創作，技藝純熟、風格獨到，充滿能勾出內心黑暗面的濃濃陰鬱魅力，現在看來還是十足經典。

從新墨西哥發跡，投入大量時間專研刺青基本技法，不論美學創意，挖掘自己的創作風格，甚至是鍛鍊正確的職業道德，Zac在將自己完備為一名能稱得上刺青藝術家後隻身一人前往大家都嚮往的世界之都紐約。在這之前關於成長過程對藝術的印象總來自帶點強迫、有點不情願光顧的各大博物館，從中對於歐洲中世紀黑暗時代帶點寫實暴力的畫作總是特別感興趣。陰錯陽差下在腦海裡注入對藝術美學習以為常的直覺，也漸漸植入對於類似刺青藝術風格熱中的根因，並影響隨後在藝術學院以刺青作為自身未來創作的走向。

從在紐約downtown的四處碰壁開始到因自身刺青蒐藏像是Scott Campell、 Chris O'Donnell和Mike Rubendall等大師作品後而打入當地刺青藝術創作圈，漸漸地嶄露頭角、也有機會在Scott Campell的名所Saved Tattoo駐點，更因此有了機會能與點陣大師同時期在店創作。Thomas Hooper對於點陣刺青的豐富經驗與不停自我發掘的精進技巧都讓能與其共事之同好受益良多，Zac也不例外，更提到Thomas Hooper可說是他現今創作的楷模與主要靈感來源。在這之後Zac確實以自己明確的陰暗調性風格在紐約闖下名號，爾後轉戰到另一指標刺青所Kings Avenue Tattoo，絕對可說是美國東岸極具潛力的新生代藝術家之一。

Zac創作的題材從早期類似稻草人、巫毒風格的拼接人像到最受歡迎的骷顱創作和近期大面積的蛇類，唯一不變得是風格都帶點陰鬱黑暗而作品精緻細膩。Zac的創作概念來源除多來自歐洲中世紀的黑暗時代畫作風格影響，其他像是有點歷史份量的藝術品、漫畫等等都可以是創作的泉源。Zac相信唯有投入超越常人的努力，作品本身才有機會成為經典，正式成為獨當一面的刺青創作家後然後秉持著不斷學習的精神，與共事過不論資深、資淺的創作者不停地吸收能量，任何人都可以是老師，在經歷過與Scott Campell、Thomas Hooper、MxM等優秀創作者共事後，Zac可說是集百家之大成，融會貫通後在自己的暗黑風格中大鳴大放。

Zac除了刺青創作外，最近也將觸角延伸至出版業，嘗試透過更多媒介發展自己的創作理念，期望以不同的創意替刺青創作產業增添主流外的多樣色彩。而Zac也正籌劃在亞洲進行巡迴駐點，多以日本為主，期待Zac能在日本吸取更多能量，再次進化出更驚人的作品。

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[刺青] THOMAS HOOPER - 多層堆疊、視覺錯視，技藝入魂的曼陀羅巨闢

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[刺青] SCOTT CAMPBELL - 名人加持、躍上主流文化的當代傳奇藝術家

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Zac Scheinbaum

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[刺青] Guy Le Tatooer - 行旅全球，新世代風潮的起點

written by Mr.cliche

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Guy le tatooer，法國刺青藝術家、被視為當代new school刺青風潮的指標人物之一。你可以說Guy是滿富幾何/曼陀羅的東方元素、帶點波里尼西亞的傳統元素或是創新式的部落圖騰，綜合以上特點大概也只能說明白Guy le tatooer一半不到的創作風格。以多樣性和十足創意為刺青作品不斷地注入變化，加上全球飄居不定的行事風格，再搭配因個人理念而與網路世界幾乎是完全脫鉤的瀟灑個性，Guy實為當代刺青藝術家最神祕也最做自己的一位。但不可否認的是儘管如此Guy仍然低調地影響著當代刺青風格走向。

從小就在同為刺青藝術家的父親渲染下成長，對著美學有著獨到的見解。而多元的成長環境也帶給Guy不同的藝術刺激，從法國巴斯克帶點西班牙的西歐文化、南法圖盧茲的經典法式傳統到新喀里多尼亞的獨特太平洋海島氣息，都為Guy的藝術創作風格注入新鮮活力。其中又以長時間與父親打下刺青技藝基礎的新喀里多尼亞影響最為深刻，在這個階段將波里尼西亞的藝術風格鍛鍊至爐火純青，也開啟了接觸東方文化的大門。而移居多地的年少經驗也深植於Guy的內心，一直到現在都是不間斷地長居各地，持續行旅中也讓Guy能在內心的創作空間鍛造出集結多樣風格的完美熔爐。

Guy的創作本質就是行旅，以西歐美學佐以太平洋海島風味，也讓Guy對東方深深著迷。每年固定會在泰國待上一段不算短的時間，融入當地文化進而吸取富含活力的亞洲美學。從經典的歐洲傳統刺青元素加以個人特色的高對比、帶點部落特色的幾何曼陀羅，延伸到亞洲氣息十足的東方美學，唯一不變的是Guy總是以徒手創作於人體，創作方式也許隨興，但背後代表的是對藝術風格絕對熟練的自信與確切掌握創作本質的職人精神。近期受泰國文化洗禮，類似巴里島傳統部落藝術的元素注入都在在顯示Guy創作風格的生命力，隨著時間不停地蛻變出心目中最完美的樣子。創作風格涵蓋的廣度也讓Guy成為眾所皆知的新世代風格指標，對此而言Guy能與許多才華出眾的藝術家在現代美學的各個角落以創作的本質一同精進、一同留下軌跡，不論好壞，留下真正實在的美感這才是最重要的，至於對於被貼上風格標籤這件事相較之下就沒甚麼大不了的了。

而本質主義的個性導向也讓Guy只專注於藝術創作，在網路普及的世代可說是完全消聲涅跡，總在展覽前或是移居下個國家時才間接的有少量消極曝光，讓人措手不及的又驚又喜也算是充滿獨特魅力。其中最讓人津津樂道的莫過於早期在巴黎La Galerie Gimpel & Muller展出以矽膠製成類似義肢的手臂進行刺青創作系列，擬真度極高的作品搭配展場的歷史痕跡，充滿濃濃的暗黑感，也成功在愛好者心中奠定新世代刺青藝術的里程碑。

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Info :

Guy Le Tatooer

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[音樂] THE RADIO DEPT. - 墜入迷幻無線電波旋渦(下)

written by Benjamin Lin

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歷經21個年頭，老舊的無線電收發機總傳出不合時宜的聲響，奇異雜音、尖銳合成器旋律鑽進耳裡，像觸電般墜入深藍的無線電波旋渦。這漩渦不是一個深不見底的絕望黑洞，而是有點憂鬱的美麗深藍，提醒我們失去愛之前，請記得保持美好。

source: offkey

自2003 年發表首張專輯《Lesser Matters》以來，樂團僅產出《Pet Grief 》、《Clinging to a Scheme 》三張作品。但令人興奮的是The Radio Dept.將在今年10月21日推出最新專輯《Running Out Of Love》。

延續上篇介紹的一、二張專輯，在2010年發表的第三張專輯《Clinging to a Scheme》被不少媒體評為他們最為成熟的作品。曲風Shoegaze混和著dream-pop，鏗鏘的吉他聲、夢幻的噪音以及悲傷的歌詞，像做了一個透明又奇異的美夢，醒來之後卻惆悵若失。

《Clinging to a Scheme》專輯中，絕不能錯過他們耳熟能詳的歌曲”heaven's on fire”。值得一提的是，開首引用Thurnston Moore的獨白：「People see rock and roll as, as youth culture, and when youth culture becomes monopolised by big business, what are the youth to do? Do you, do you have any idea? I think we should destroy the bogus capitalist process that is destroying youth culture.」（來自Sonic Youth紀錄片1991: The Year Punk Broke）一語道出對當時的音樂產業的失望，嘲諷當代資本家挾持搖滾。全曲以復古dance music電子節拍加上soft rock的吉他聲，主唱Johan Duncanson迷離的嗓音混和合成器，伴隨著輕快搖擺，心中的慾望竟也被燒得滋滋作響。

另一首”David”早已在2009年以單曲形式登場。除了較多的鼓機效果外，躁音也少了，歌曲聽起來變得較輕巧。而前奏使用的吉他效果器，夾雜飄忽不定的夢幻人聲，堆砌出虛無飄渺的扭曲音牆，讓我們的耳朵彷彿浮在無重力空間，真實和想像不斷的游移交錯。

而除了這幾張專輯外，他們同時也有許多的單曲，其中翻唱The Go-Betweens名曲”Bachelor Kisses”最為經典，就像把沾滿蜜糖的刀，刺得單身的人又疼又癢。

“Don't believe what you've heard, 

Faithful is not a bad word

Oh won't you save these bachelor kisses

now they're for your brow”

單曲封面是一對戀人擁吻，手上還拿著棒棒糖。像在訴說戀愛時的激情甜蜜，終會隨著時間褪成一張索然無味的黑白照片。

The Radio Dept.今年10月21日將發行最新專輯《Running Out Of Love》。在他們寫給歌迷的聲明中自述，《Running Out Of Love》是一張有點反烏托邦的專輯，主要是因為它是在深深挫敗中、時代極端保守的暗流下的產出物。他們也表示，人們因對事物缺乏耐心而轉變成恨，最終退縮、漠不關心，導致這世界存在最重要的理由「愛」都開始站不穩了。像歌曲”Occupied”是在打官司時寫出，長達7分鐘的歌曲，瀰漫迷幻的電氣氛圍，在冷異深邃的節奏下更顯心動低迴，彷若一股黑色浪潮將人吞噬。還有談論瑞典軍武產業的”Swedish Guns”以及諷刺傲慢的警察選擇保護納粹主義與種族歧視，並使用暴力對付抗議團體的”We Got Game”等，整張專輯抑鬱低吼宛如為現狀發出不平之鳴

就如同這張專輯的封面，當天真小女孩背著一把槍，這世界還存在愛嗎？

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[刺青] Digimatism - 現代藝術流派啟發，絕對主義的製程進化

written by Mr.cliche

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Digimatism，俄羅斯刺青藝術家，本名Stanislaw Wilczynski，以digital加上suprematism組合而成的新詞彙 Digimatism為名，以數位化媒材創作絕對主義流派的刺青藝術(發源於俄羅斯的現代美學主義之一，或稱至上主義)。擁有IT背景的Digimatism，對於機板線路等幾何線條的高度敏銳也成功移轉絕對主義的非具體象徵符號於創作題材上，標榜著簡單俐落、高識別度的粗線勾勒，在現今極簡、幾何當道的現代刺青藝術風潮下成功地以創作核心區別出作品獨特性。Digimatism以俄羅斯絕對主義為基底、融入德國極簡主義，再以日式風味的近未來美學完美調和出次世代的視覺新語言。

在父母都是工程師的傳統前蘇聯家庭成長下，Stanislaw也順其自然地念了資訊工程成了系統工程師，經歷了7年的IT經驗，Stanislaw在工作中始終找不到成就感，覺得厭倦，想要創造些甚麼的念頭一直沒停過。加上一直一來都是刺青藝術的蒐藏家，就這樣在不算短的7年之後毅然決然轉換跑道，有了刺青新手包器材與上百支youtube影片後就這樣開始替朋友免費紋身而開啟了藝術創作之路。天生的規律制式化性格與IT邏輯思考的綜合下，Stainslaw很快地就將技術上手，但風格的建立就沒這麼容易了，而Stanislaw與一般刺青藝術家不同的學術背景也讓他能用不同的面向去發掘屬於自己的特色，在接觸了俄羅斯絕對主義藝術家Malevich的作品後，與IT基板線路相呼應幾何念條就這樣在Digimatism針中慢慢成形。

蘇聯解體後快速開放的文化衝擊，在刺青藝術這一塊人才輩出，除了先前介紹的[刺青] SASHA UNISEX - 色彩學教本，一體適用的水色具象外，延續Malevich絕對主義的Digimatism也是指標翹楚之一。在外看來神秘的俄羅斯，其實並不像刻板印象中那樣乏味，對比強烈且極端的夏季與冬季、幅員廣闊，絕對是刺激美感與激發創意的人文基地。近年來大量融入歐美文化的俄羅斯，當代藝廊與美術博物館如雨後春筍，隨著漸漸接納外來文化，在獨特東歐美學根基上建構無限的可能性，雖仍帶著點共產保守的思維，成長步伐雖緩慢但卻異常堅定，這點是無庸置疑的。

Stanislaw發展出數位型態十足的極簡及幾何設計是來自於20世紀初自己祖國藝術家Malevich發展出的現代主義流派之一，絕對主義。主張絕對主義是藝術中絕對真理，是這之前所有流派的終極狀態，以一種非具象的形式呈現藝術的精神哲學、絕對且純粹的藝術感知，多為簡單的幾何式構圖，像是方形、三角形、圓形等，並且利用色彩陰影呈現出立體空間感，其中最著名的代表作品就是Malevich在1915年「0.10最後的未來主義展覽」的黑色方塊油畫。Stanislaw以絕對主義的概念為發想，並以數位製程創作出以絕對主義為延伸的Digimatism，同樣以簡約的幾何構圖，大膽顯著的方塊勾勒，在物件組合之間留下充滿張力、帶著點情緒的空白，有著絕對主義非實質精神層面的延續。而數位化的製程不僅是Stanislaw原就習以為常的專業領域，也得以配合他要求完美的極端個性，只有透過數位科技能完美呈現構圖，也能不斷微調，系統的計算總是比人體來的可靠，至於創作隱晦的哲學含意則在人體部位置放時注入，這樣的現代藝術創作手法，對Digimatism可說是最適切不過了。

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Info :

Digimatism

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[刺青] Jun Cha - 正統美學教育，黑白寫實的新代名詞

written by Mr.cliche

Jun Cha，韓裔美國人，於美國洛杉磯創立個人工作室MONARC Stduios，擅長在美國西岸為主流的素描寫實風格。從小無時無刻都在繪畫，16歲就開始進行刺青創作，靠著努力、天賦及前輩指點，以極輕的年紀在西岸刺青藝術圈闖出一片天。爾後在西岸傳奇Mister Cartoon的建議下重返校園進修藝術相關專業，為的就是提升技術層面以外的美學眼界，扎下日後創作的深厚根基。創作除了廣受文藝復興藝術家影響，題材多為宗教及近代藝術相關，最大的共通點就是真假難辨的擬真寫實，也讓Jun Cha儼然就是西岸素描寫實風格的最新代名詞。

從未停止的繪畫，是Jun Cha對兒時的唯一印象。到現在一直都能直接地看到事物藝術性的一面，也許就是從小環境與父母的培養而來，母親在成長階段的藝術啟發和喜愛的卡通都是Jun Cha敏銳藝術感觸最重要的構成。也曾在青春期沉淪、徬徨，但因為對藝術與繪畫的熱愛及對家人負責而下定決心以藝術創作為職業目標，起初想做的也一直都只是繪畫，對其餘的東西完全不感興趣，直到因緣際會下遇見了西岸刺青傳奇Mister Cartoon，在他由衷建議下進入藝術學院精進創作的眼界與提升思維的高度，藝術生涯從這開始有了明確方向並且快速地轉動了起來。

正因為Mister Cartoon的提點，Jun Cha除了在學術領域持續精進外，也花費更多心力在建築自己的藝術創作生涯，努力不懈的結果也讓LA名聲響亮的刺青藝術家Jose Lopez與Baby Ray成為其刺青創作的導師，技藝傳承的延續也讓Jun Cha對黑白刺青充滿熱情。不僅是技術實質層面的精進，也在藝術學院進行內在方面的提升，Jun Cha對自己藝術職涯的完整規劃也讓美國西岸刺青藝術圈多了一位讓人津津樂道的寫實素描超級新星。

雖然Jun Cha多數的創作題材皆為黑白色的寫實風格，但就像許多傑出的藝術家一般，認為藝術、風格而言，是動態持續演進的、是不希望被定義的，也不應該被定義，是以更高層次來看待藝術創作這件事，刺青僅是其中一個媒介、風格也僅此於局部的具象表徵。與其說是風格不如稱之為各階段、各時期的創作方式或流程，Jun Cha確實在現階段樹立起明確的創作方式，受到自身喜愛的文藝復興畫作渲染，像是米開朗基羅、達文西等影響，創作常擬真呈現類似風格，其中又以雕塑之題材最為常見。

刺青藝術對於Jun Cha而言，除了是不同形式的藝術呈現外，更是最具難度的創作媒介之一，面對的是有生命力的畫布，充滿了變數的動態挑戰。這也正是Jun Cha所樂於見得的，對於不同媒介創作本就相當熟悉，也一直嘗試著透過各種媒介將藝術創作的傳遞最大化。正因為認為畫布、紙張、甚至是皮膚，都是人與藝術間的唯一中質，也是Jun Cha極力嘗試耕耘的，甚至與服裝品牌C1RCA合作，將藝術透過更多元的媒介傳遞給不同的客群，簡單而言就是讓更多人能享受Jun Cha擬真寫實的黑白魅力。

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Jun Cha

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[刺青] Sasha Unisex - 色彩學教本，一體適用的水色具象

written by Mr. cliche

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Sasha Unisex，相信很多人對她都不陌生，俄羅斯水漾色彩刺青的代表，也是此類型開端的指標人物之一。創作題材多以動物為主，柔和豐富的視覺組成，營造富含快樂元素的童話氛圍。而扎實的美學設計基礎，不論互補色、對比色各種色彩學概念無不拿手，也得以創作出絕妙搭配的水漾多彩。Sasha Unisex等新生代藝術家的竄起，也讓俄羅斯得以打破因語言、地理位置、早期政治隔閡造成的對外資訊傳播不足，其實俄國有非常多優秀的刺青藝術人才，水平頗高，可以見得戰鬥民族做甚麼都是動真格的。

平面設計出身，接觸過刺青藝術後就決定在畢業後嘗試以此放手一搏，先是以各種方式吸收大量的刺青常識，參加活動聚會、與刺青藝術家交流，在不同藝術家身上吸收不同的技能，靠著努力拼湊成完整學程，最後買了必要的基礎設備就開始簡單的創作。經過嘗試了各種風格創作後，決定以發展自己喜愛的作品類型為目標，加上既有的設計背景，Sasha很快就找到能代表自己喜好、帶點平面塗鴉風格的的水漾色彩。最後以自己俄文名字Olexandra音似的Sasha為藝術家名，不分男女的姓名，除了代表自己的偏好，中性的取向，另一個層面也是通用、一體適用的意義，也延續到期許自己的作品能有類似概念，Sasha Unisex就這樣而生。

無黑線邊界輪廓勾勒，水彩感的粉系色調，配合著深淺不一的層次打霧，營造出柔和、溫潤的作品觸感。有別於一般刺青創作的強烈風格，此類的風格更能迎合大眾對刺青藝術的接受度，如同先前[刺青] AMANDA WACHOB - 皮層渲染的水漾藝術提及的，若說Amanda是以虛幻抽象呈現，那Sasha就是實體具象的代表之一。這樣的創作風格除了符合Sasha偏好以較創新的手法進行創作外，也是能以最少器材創造、變化出不同的視覺效果與氛圍。水色刺青也與Sasha常創作的動物與自然元素完美搭配，如同拿手的色彩學變化一般，自然界的題材總是取之不盡，兩者相乘也順勢觸發Sasha源源不絕的創作力。

隨著作品需求供不應求，Sasha順勢挾著超人氣進一步往自己的目標邁進，成立個人品牌Sasha Unisex。涵蓋範圍包括服飾、手錶、雨傘、配件、貼紙等，將自身的藝術創作透過不同媒介傳遞，以更完整形式來推廣、展現自己的藝術全貌。Sasha也將刺青藝術格局提升，轉至歐洲開設工作室，並有別於傳統刺青工作室為刺青藝術家的集合體，Sasha僅以自己一人與團隊獨立經營，連同個人品牌完整打造符合Unisex的水色美學指標。另外Sasha去年也受邀與BMW合作為最新亮相的重型機車紋上符合形象的狐狸刺青創作，完全無違和感的連乘話題，也再次驗證Sasha的Unisex創作概念確實為無關性別、一致通用的美學標準。

隨著Sasha Unisex的傑出創作，俄羅斯當代的刺青藝術也慢慢受到注目，不再僅局限於印象中俄羅斯獨有的黑幫刺青文化，由於語言的差異與政治/地理位置的特殊性，俄國的刺青藝術不像歐美甚至於亞洲對外傳播快速，但俄羅斯確實是有不少風格獨具、原創性十足的藝術創作者，其中站上國際舞台的也不在少數，CMMN SNSS也將隨後慢慢為大家揭露。

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Sasha Unisex

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[音樂] Breakbot - 夏日池畔的弛放慢舞

written by Benjamin Lin

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Breakbot由Thibaut Berland化名，是當代法國電子音樂界的佼佼者之一。他出身於巴黎，留著一頭帥氣長髮，曲風輕快弛放，從French House到Disco以及極富輕鬆感的Funk皆駕馭自如，而且絕對不是單純的拼貼堆疊，而是像一杯好的調酒，仔細的斟酌比例，再藉由適度力道與節拍shack出一首首刺激感官欲望的remix舞曲。

Breakbot本身名下的個人專輯只有兩張，分別是2012年的<By Your Side>以及今年2月才推出的<Still Waters>，反而比較多產的是他的remixes。不過音樂這種東西重質不重量，以第一張專輯來說，整體概念及風格就非常的完整。優雅的旋律、明亮的節拍，從第一首歌”Break Of Dawn”開始，彷彿就將我們帶入一片橙橘色的天空下，沉浸在Disco Funk的復古氛圍中。

同樣這張專輯內的”Baby I’m yours”一曲，除了讓人聽了心情想不好都難外，它的MV也是創意十足，獨特的動畫拍攝手法讓Breakbot獲得了相當大的注目。

Breakbot的remix對象相當廣泛，其中不乏許多的知名DJ及歌曲，像是Justice的"Let There Be Light”、Röyksopp的"Happy Up Here以及Kavinsky的”Night Call”等，在加入他的獨特Funk節奏後，彷彿都渲染上了騷靈色彩。此外前陣子星際大戰的音樂專輯Headspace中，Breakbot也貢獻了一首"Star Tripper"，在開頭帶有宇宙浩瀚感的鋪陳下，於1分多鐘時轉入輕快的舞曲節拍，完全就是個星際舞曲指定曲！

今年的新輯<Still Waters>也沒讓喜歡法式舞曲歌迷失望，除了維持一貫的風格外，Breakbot也提及這張專輯很大部分受到Prince與 Michael Jackson的影響，許多歌曲都來的更加groovy動感。像是"MyToy"這首就帶有點美國夢的復古旋律，而"Wet Dream"根本就該列為各大泳池派對指定播放曲。最後一首同名歌曲"Still Waters"雖然沒有任何人聲，但愉悅的節奏程度前所未見，就算是在禮拜一要前往上班的路上，聽著它心情都好了！

其實在聽過Daft Punk的回歸之作後，會覺得和Breakbot的早期作品有點相似，例如像Daft Punk的"Lose Yourself to Dance"這首，所以如果喜歡近期Daft Punk的音樂，絕對可以用力的把Breakbot加入播放清單中。最後，令人興奮的消息是Breakbot將於8月份再次來到台灣演出嘍!這次是他第三次來台，同行的當然還有一直以來緊密合作的Irfane，將帶來完整的樂團編制演出，各位朋友可要把握這次機會!

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Breakout Live 2016 in Taipei

Details

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[刺青] FUZI - 藝術無界，90年代塗鴉傳奇經典延續

written by Mr. cliche

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FUZI，或人稱FUZI UV TPK，90年代法國街頭塗鴉傳奇，創立UV - Ultra Violent團體並與友好團隊TPK一同在90年代橫行於法國街頭。從無法治的街頭生涯開始隨興的塗鴉創作，反叛意味濃厚，與其說是藝術團隊，在那個年代來說活動範圍及所作所為更像街頭幫派，實質的street life亡命之徒。標榜自由無拘束的生活模式，無限制的隨處於街頭塗鴉，並以自身建立起的Ignorant Style大面積覆蓋法國街頭，能見度極高，確實為當時街頭塗鴉的龍頭指標。爾後隨著時代演進、環境使然，法治凌駕於街頭塗鴉之上，FUZI秉持著藝術無界的觀念，將自身創作風格移轉至刺青藝術，Ignorant Style繼法國街頭後再次佔領肌膚畫布。

從小在幫派背景下成長，在住所附近的鐵路火車由遊蕩，受到各式各樣塗鴉簽名的耳濡目染，只想也成為椅背上反覆看見的傳奇塗鴉一份子。隨後與常混一起的兄弟成立UV - Ultra Violent地方幫派，過著到處打劫、爭地盤、四處塗鴉的街頭生活。因處於巴黎市郊，為了將地盤擴張、與市中心接軌，在四處移動的火車上塗鴉是傳播名聲最好的方法，也是當時UV和TPK主要的創作標的。而FUZI與UV的夥伴們有別於傳統的塗鴉風格，改以自由、無拘束著稱，想簽甚麼名就簽甚麼、想畫甚麼就畫甚麼，當然這樣的改變也受到其他塗鴉流派強力反擊，認為毫無藝術感可言，完全喪失塗鴉本質。

融合幫派與街頭塗鴉的UV與志同道合的TPK，兩組人馬在當時hip-hop風潮盛行且CCTV缺乏的巴黎近郊劃地為王。FUZI身為其中一員的每日行程就是搶奪食物、偷取塗鴉材料後創作、掠奪店家/路人來取得資金，與其他幫派火拚，晚上就party呼麻，十足的幫派混混日常。核心的概念就是自由奔放，在地下社會躁動發聲，樹立的目標就是用塗鴉、簽名征服巴黎。雖然說違法歸違法，但現在看來整體概念還是充滿放蕩不羈的浪漫。UV TPK回頭看來終究是在90年代樹立起不小名聲，隨著能見度大增，樹大招風，面對多數塗鴉同好的批評，FUZI終於以自由、無受限的精神發展出Ignorant Style作為回擊，樹立起巴黎90年代的塗鴉傳奇。

Ignorant Style的本質就是自由，無限制的表達自我，是對傳統街頭塗鴉的挑戰。FUZI在90年代以此風格打破當時塗鴉的既定規則，就像是孩童初學畫畫的手繪線條，粗糙但充滿純粹真實，不定形式、奔放自如卻又維持本質風格。FUZI受到紐約塗鴉文化先驅的影響，完全沉浸在為所欲為、沒有規則的自我表述中，做的就是自己，也因為這樣的核心概念，FUZI才能不被框架拘束、創造無限可能性。隨著年紀增長、時代的演進，FUZI也漸漸的擴大藝術視野，將眼光轉移至畫布或著其他型態的藝術呈現，為的是能更多元的表達自己、更不拘束的去傳遞藝術創作。這也是FUZI選擇延伸至刺青藝術的一個轉捩點，如同Ignorant Style的核心一般，FUZI自己嘗試、學習刺青技藝，因為從別人身上得到的就失去了原創真義，也將喪失自己無拘束的奔放風格。

FUZI喜歡的一直都是藝術的純粹與實質的含意，就如同監獄的刺青藝術對他來說遠比美術系畢業的學生創作來的美麗，不論是否精緻、準確，背後的意義與當下的涵義才是構成藝術本身的核心價值。延續塗鴉的Ignorant Style，FUZI的刺青創作如同塗鴉作品一般，時常運用卡通元素、快速塗鴉的鮮明字體與簡單字句點綴，運用最純粹、不可能出錯的黑色傳達力道，並注入塗鴉創作獨特的不安躁動感。FUZI的刺青創作題材大多圍繞在人身上，愛、性、暴力等情緒的抒發，大多來自成長背景、過往經驗及本身個性的兩個端點，一個是街頭生活的不安與悲觀，另一個就是反向激盪出富含幽默感的生命毅力。簡而言之就是生活，最真實、純粹的人生注入針尖創作。

Igorant Style之於FUZI就是做自己般自然，對於刺青創作亦然，為了維持創作的最佳狀態，FUZI四處找尋有著街頭塗鴉創作精神與氛圍的地點進行刺青創作，來刺激自己完成更好的作品並注入更原汁原味的street life精神。曾經在地鐵隧道以霓虹夜光照明就創作了起來，甚至是在派對上、路邊、屋頂、廣場大廳、自己的展覽會場等，這都是FUZI的最佳創作地點。FUZI營造的Ignorant Style吸引人之處不僅止於設計，而是精神、創作過程及人生價值觀，所有創作皆為一次性，絕不重複，藝術是不應該被複製的，每個產出的瞬間都不相同，才能創造出各各獨特的藝術創作。FUZI也從不創作非自己風格的作品，當然頂著塗鴉傳奇的名聲，蒐藏者只要是出自其手想必都是樂於笑納的，這也呼應FUZI狂放不羈的生活態度，他的刺青創作是為了自己，不是為了客戶，扎扎實實的Ignorant Style。

FUZI的藝術觸角從塗鴉、展覽、書籍、刺青、甚至是服裝系列Ignorant People，更與丹麥的Wood Wood([流行] WOOD WOOD 盡情玩設計)合作推出連乘T shirt和配件，為的就是將Ignorant Style透過不同媒介發聲。除了藝術傳播的型態廣泛，FUZI更身體力行推廣自身風格，不論是各大都市的展覽企劃或是全球巡迴的刺青創作(其中更曾將台灣作為亞洲巡迴的一站)，都在在貫徹Ignorant Style、顯現熱愛藝術的不受限之心。FUZI就是要Ignorant Style在書報裡、街頭邊、肌膚之上、甚至在你腦海中，就是這樣的無處不在，藝術無界。

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FUZI

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[刺青] Apro Lee - 朝鮮傳統、當代復甦，南韓的非法藝術

written by Mr.cliche

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Apro Lee，全球巡迴駐點的南韓刺青藝術家。擅長以韓國傳統文化為創作題材，以鮮明的粗線勾邊、不複雜的大氣構圖、加上點陣或強烈對比的漸層打霧，重新演繹朝鮮傳統美學。朝鮮傳統建築及韓國人共同文化記憶的虎與鵲都是Apro的招牌創作，除了富含東方文化的獨特美感外，背後諷刺南韓政府與藝術工作者的深沉創作理念更讓人印象深刻。在南韓，刺青藝術創作一直到現在都是違法行為，而Apro Lee在不可逆的環境阻力下將自身藝術與世界接軌，以不被故鄉認可的創作方式憑著一己之力推廣韓國傳統與當代藝術。

沒有任何的藝術學位背景，靠著對繪畫的熱愛，以動畫師為目標，有記憶以來就一直沒有停止地繪畫創作。跟台灣男性一樣在兵役期間反覆思考未來的方向加上偶然見到素描寫實Nirvana主唱Kurt Cobain的刺青創作，完全打破Apro對刺青藝術的認知，並下定決心以此為志業。在對刺青藝術相對封閉的南韓社會，Apro只能透過網路上其餘同好的粗糙視訊教學習得基本的操作技法，並在朋友身上練習精進。自己摸索創作三年後，因於環境阻力，Apro遠赴澳洲駐點並在布里斯本以當地刺青所的主理人為師傅，正式有系統的補足自學不足並將創作技術提升至專業層面。

南韓對刺青藝術創作的不友善是在21世紀難以想像的，尤其在醫美技術等針對外表做改變的領域相當傑出、普及，卻對有著類似同質性但非實質層面意義更大的刺青藝術視為違法行為。在南韓只有擁有醫師執照的專業人員能對皮膚等外在進行改造，刺青就涵跨在這項規定內，以至於任何刺青藝術的創作都僅能於地下活動並且無法公開宣揚、傳播。當然隨著娛樂事業的國際化與全球文化接軌，對這樣規定趨於緩和，但仍然會透過舉報的方式以軍警進行突擊巡查，依據經營軌跡推測刺青產量來做為罰則基礎，輕則罰款，重則監禁，對於文化藝術產業的高度壓制實在讓人無法置信。當然這並沒有影響Apro的決心，反而在這樣的環境阻力下持續活動的刺青藝術家相對地更加有韌性且更專精自身技藝與創作理念，為的就是能直接與國際接軌，脫離國內不合理的待遇。

正因為如此Apro Lee最常見的創作題材傳統民俗老虎與喜鵲就是對這樣的環境背景進行諷刺，虎代表著政府，官僚與制度的不公、鵲象徵的是刺青藝術家，虎與鵲的互搏對立、鵲的反擊與虎的措手不及都代表著Apro Lee對這樣制度的不滿。而Apro自身刺青蒐藏脖子上吊的繩結，甚至也曾創作於客戶頸部，切斷但仍纏繞於脖子的繩結象徵即是南韓對刺青藝術的阻力，而切斷的表徵則代表著為此奮鬥、堅強地存活下來。面對環境的阻力，Apro除了在創作背後植入深沉意涵，也持續拓展創作相關的傳統朝鮮文化題材，除了前面提到的民俗元素，甚至延伸至建築特色與韓國獨有的反覆圖案印花，成功地將韓國傳統藝術以嶄新的手法包裝，創造讓全球藝術愛好者深入了解的誘因，並且在這之中注入有溫度的訴求。相較於國內無緣由的打壓，Apro仍然心繫著祖國文化發展，這樣諷刺的對比也不禁更對韓國人的愛國心感到敬佩。

推廣傳統朝鮮美學的同時，Apro也以不同的計劃在回饋著社會、對人文/環境盡一份力，其中一項以繩結構成的心臟設計作為支持無國界醫師的計畫最廣為人知，同時堅持著藝術的量化價值是不應該被打折或免費贈送的，繩結心臟在固定的金額下額外接受客戶的捐款，而每一分錢都會用在支持無國界醫師全球無私的貢獻。Apro Lee的作品延續著傳統朝鮮美學，背後深沉的意義更是觸及人心，也許在你行旅南韓、紐約、西班牙還有倫敦的同時，也能用行動支持這樣的人文藝術與創作理念，讓你的刺青蒐藏成為當代人文浪潮的一部分。

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Apro Lee

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[刺青] Koji Ichimaru - 東瀛暖陽入墨，經典復古成映

written by Mr.cliche

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Koji Ichimaru，日本九州地區福岡新日式刺青藝術家，風格類似以傳統日式元素加上些許美式經典old school的綜合體，以帶點卡通趣味感的戰國將軍、傳統和風獸類廣受全球收藏者青睞。Koji大膽清晰地以極粗線條勾勒、不複雜的構圖組成，再佐以偏暖色調的橘、紅、黃、綠重現日式傳統印象，甚至將風格延伸至非傳統日式元素，巧妙轉換新日式風味，成功將其推上世界舞台。大半時間長駐義大利波隆納的Koji可說是四處為家，國際各大刺青博覽會無不出席，繼日本最正格的傳統手雕刺青後將日式風格轉化新生，再度推上國際水平的指標菁英之一。

經歷刺青創作已有10年經驗，Koji的創作起源說來還真的是充滿濃濃和風。從早期身上有紋身的客人仍能出入澡堂的時代開始，初次見到就被深深吸引，以創造這樣震撼心靈的刺青藝術為志向。也跟大多數的藝術家相同，曾作為學徒快速拾起基礎刺青技藝，爾後與同儕藝術家相互切戳學習。唯一不同的就是藝術創作的本質，Koji長期鑽研傳統日式刺青，嘗試歸納、解構，進而分析出構成日式刺青的重要元素，不論是在構圖、組成要素、甚至是顏色的構成搭配無不專精。最後納入自身喜好、成長背景的美學刺激，終於塑造出獨一無二帶點些許美式經典old school風味的新日式風格。

橘、黃、紅、綠，偏向暖色系的鮮豔用色讓Koji的新日式創作具備高識別度，是少數幾乎撇見一眼就能認出的日式創作。對於傳統日式長期鑽研，自我歸納出一套創作邏輯，怎樣的搭配合適、何種技法處理的背景更為和諧、甚至是元素構成與間隔的尺寸拿捏都是恰到好處，讓Koji得以運用框架，自如地創作出高水平作品。而規矩是用來打破的，Koji再鑽研透徹後將絕佳創作比例模組化，再加上一點新世代的復古元素，充滿圓潤感、討人喜歡的各式和風角色就這樣因應而生。

戴著不同帽飾、動物頭飾、或著是階級象徵的典型將軍武士、傳統神話的虛擬獸類、或著是滿版富含故事性的人物構圖都讓Koji的創作漸漸拼湊出完整的日式物語。更創新的突破在於Koji將日式風格隨著時代演進，日本國的當代守護破壞神哥吉拉也納入創作，實在很難能抗拒誘惑呀! 跟CMMN SNSS一樣是大叔世代嗎?小時候是否也曾喜歡蒐集BB戰士? Koji的日式將軍是能成為隨著年紀增長未忘初衷的藝術升級版蒐藏阿。

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Info :

Koji Ichimaru

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[音樂] The Radio Dept. - 墜入迷幻無線電波旋渦(上)

written by Benjamin Lin

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1995年是個特別的年代，Kurt Cobain逝世不久留下樂迷的哀嘆，Brit-Pop正在浪頭上，領先風潮的Oasis與Blur在當年相繼發了片，同年發行同名專輯的Foo Fighters至今也成為震耳欲聾的指標硬派搖滾團。90年代多麼美好的音樂時期，無數經典樂團屹立不搖，甚至暗潮洶湧地影響了整個當今樂壇，像一個魔咒始終縈繞樂迷心中。

我們總是難忘1995年的美麗聲響，而The Radio Dept.也自此而生，歷經21個年頭，從不譁眾取寵，也不曾大鳴大放。團名來自一間無線電收發機器維修廠，因為他們的音樂就像無線電一樣，不完美甚至帶著雜音，彷彿在外星球上奏著奇異旋律，傳到遙遠的地球，撫慰著寂寞人類的心靈，讓我們瞬間掉進迷幻漩渦，目眩神馳。

來自瑞典的他們，自2003 年發表首張專輯《Lesser Matters》以來，樂團僅產出《Pet Grief 》、《Clinging to a Scheme 》三張作品。首張專輯《Lesser Matters》不能不提”1995”這首歌，除了是他們創團的年份，更帶著濃濃的青春鄉愁。

“1995 is missing buses

It's walking 15 miles to see your love

It's knowing you're alive through all the fuzz

It's never coming down from going up

1995 is cutting classes

It's sitting over coffees talking indie treats

It's the mere sensation of being the first one that you see”

“1995是一台錯過的公車，然後你走了15英哩去見戀人；

1995是學生時代蹺課的我們，坐在咖啡廳說著無聊的玩笑；

1995是天剛亮時，成為第一個被你看見的人”

年少的我們哼著”1995”，度過了多少年頭，數字有增無減，成為了大人仍聽著1995，隨著主唱Johan Duncanson憂鬱的聲線起伏，止不住的是悵然若失。口中唱著不只是旋律，更是逝去青春的音符。而”your father”這首則是屬於兩小無猜的歌曲，據說是主唱Johan Duncanson寫給年輕時女朋友的父親，喃喃自語的抱怨，緬懷青澀戀曲的消逝。

第二章專輯《Pet Grief 》，其中主打歌即是”Pet Grief “，延續使用合成器的傳統，電氣氛圍中蘊含了輕快帶著無奈哀傷的節拍。

“Always A Relief”則是最抒情的失戀歌，輕盈的吉他旋律搭配不完美的噪音聲響，隨著Johan呢喃的聲音，彷彿一切都在褪色，只留下迷濛的回憶。

“I Wanted You To Feel The Same”則帶點年少憂傷，開頭碎拍旋律帶來緊湊不安定感，混著鋼琴的甜美餘韻，夢幻的Indie-Pop帶點噪音，就像愛情總是叫人心亂如麻。

待續...

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[刺青] Gotch & Gakkin - 當代幕末浪漫，針三昧的日式維新

written by Mr.cliche

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Gotch和Gakkin，在京都針三昧刺青名所持續耕耘於新日式風格的刺青師徒。Gotch推動著注入當代元素的新日式刺青並在京都創立針三昧刺青所，為關西地區極具人氣的指標性名所，在擁有傳統大和文化的古都，將深厚的文化根基佐以當代美學思維，讓日式風格得以嶄新面貌呈現。Gakkin盡得Gotch真傳，對傳統及當代日式刺青深入鑽研且注入大量現代美感，持續尋求各樣的可能性，目標是將新日式刺青在自己的針尖上塑型、創造出只屬於自己的代表性風格。全球行旅駐點除了靈感、眼界的提升外，新日式刺青的推廣也是Gakkin使命之一，透過聯名創作、駐點交流...等，不停地在各面向拓展，Gotch和Gakkin確實帶領著傳統日式風格走出新局。

日式刺青一直都是刺青文化的重要一環，當然也是日本自身相當重視的無形文化資產，隨著關東與關西地區的獨立發展，刺青藝術也有了截然不同的分流，而關西地區正是日式刺青漸漸順著時代洪流轉變為新日式風格的發源地。關西不僅擁有完整的文化遺產且對外的海港優勢也順勢帶入了多元文化，像是街頭塗鴉、各樣風格的平面/圖像設計、甚至是本地與外地的漫畫繪本都影響關西地區的傳統日式刺青，而由Gotch經營的針三昧就是在這新舊交織世代下日式刺青演化的指標性據點之一。新日式刺青有別於傳統日式刺青最主要的差異在於元素的組成和搭配，不受傳統像是老虎跟龍就得一對、錦鯉旁就要有櫻花的搭配限制。經典的日式刺青元素還是存在，而呈現的技藝、手法融入新意，最獨特的莫過於仍帶著經典和風，卻在構圖組成、用色點綴讓你驚豔，Gotch和Gakkin就是極具代表性的風格典範。

正因為新日式不算完全的創新，也不是完全的傳統，而是用新的手法去詮釋經典日式美學，這也是為什麼熱愛傳統日式刺青的Gakkin對新日式風格如此熱衷，想做的就是參與這轉變的浪潮、重新賦予經典新的生命。而除了對傳統日式刺青元素相當上手外，Gakkin也對近期盛行的新日式刺青元素非常感興趣，像是生首、春宮圖…等等。"生首"在日文的意思就是剛砍下來的頭顱，日式文化常以此作為題材，帶點鬼魅及驚悚感，隱含些許反社會元素在其中，血腥元素與叛逆感也讓Gakkin對這類型的創作充滿興趣並得以忠實呈現。另外像是春宮圖的創作不僅止於日本國內風行外，海外開放的文化思維更是讓此類創作需求大增。而Gakkin近期努力推廣如同早期文人雅士反映社會的"風刺画"，也就是諷刺畫的刺青創作，想做的事是以現代社會文化價值出發，對當今政治的腐敗進行諷刺及批判，讓新日式文化不僅止於美觀、文化美學十足的外在罷了，而是也能賦予作品充滿寓意的實質文藝精神。

身為新日式風格的傳承推手之一，不僅在日本國內與各類型好手聯乘創作(如同和CMMN SNSS曾介紹的點陣名家Kenji Alucky創作出驚豔全球的大面積作品)，Gakkin也積極向外推廣，在澳洲、美國東岸、英國等地之主要都市駐點創作。反觀於亞洲文化對刺青藝術仍屬較封閉且刻板的想法，歐美的藝術思維普及不僅對相對強烈的特定新日式風格元素接納度較高，也更加著重於刺青創作的藝術性。這樣單純藝術性的抽離讓Gakkin相當嚮往，也積極地在常駐的創作據點熟悉當地環境，嘗試著擇一地久居，持續深根在地，發動屬於自己世代與流派的新日式維新。

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Info :

針三昧

Gotch

Gakkin

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延伸閱讀

[刺青] Kenji Alucky - 和魂入針，精準凝結的黑墨點陣

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